Laura Venturi – Gentian Doda in «Was bleibt». Sei solo, ma non puoi ignorare ciò che ti circonda.
«Sei solo, ma non puoi ignorare ciò che ti circonda», questa la frase con la quale il coreografo Gentian Doda esprime ciò che anima la sua ultima e più coraggiosa creazione. Il suo pezzo Was bleibt (“Quello che rimane”) è andato in scena per la prima volta una settimana fa sul palco della Komische Oper di Berlino, nell’ambito di uno spettacolo tripartito che comprendeva anche un pezzo di Marco Goecke e uno di Nacho Duato, in procinto di abbandonare la sua carica di direttore artistico dello Staatsballett Berlin. È proprio sotto l’ala dell’estroso coreografo spagnolo che Doda ha avuto modo di sviluppare il suo talento di ballerino e di coreografo, in una collaborazione durata ben quindici anni ed iniziata a Madrid, quando Nacho Duato dirigeva la Compañía Nacional de Danza (C.N.D.). Tra le collaborazioni del ballerino albanese ricordiamo anche quella con Maurice Bejart, sotto il cui invito interpretò nel 2002 il ruolo principale de L’uccello di fuoco, quella con Ohad Naharin e quelle con William Forsythe, Jiří Kylián, Orjan Anderson, Mats Ek e Wim Vandekeybus. I primi lavori da coreografo risalgono al 2005.
Was bleibt, con la musica sperimentale di Joaquin Segade e la scenografia dell’artista giapponese Yoko Seyama, colpisce il pubblico già dalla prima apertura del sipario, dietro al quale si spalanca lo scenario di un palco semioscuro, dal cui soffitto pendono lunghe corde che arrivano a toccare terra e sono sistemate in modo asimmetrico. Tra le corde, come marionette perse e cadute al suolo, dieci ballerini si dimenano in gesti spezzati. Tutta la pièce esprime la tensione tra insieme e individuazione, tra la necessità di aderire al moto incessabile delle cose e quella di trovarci dentro un attimo di stasi, di vuoto. «Lo spazio che voglio raggiungere con il movimento, è il vuoto», afferma Doda.
Foto: Fernando Marcos
I dieci ballerini si muovono a tratti come se fossero un corpo, un organismo unico, tutti ammassati da una parte con lo stesso respiro, poi si separano; se è soltanto un ballerino a staccarsi l’organismo cerca di riappropriarsene, e tutti i corpi si tendono all’unisono per riacquisire il pezzo esule. Altre volte però l’insieme funzionale viene distrutto e, nel caos dell’individuazione, si trova di nuovo ciò che è più fragile e umano.
Succede che l’organismo diventi marziale, aggressivo e rigido, per poi sgonfiarsi un attimo dopo in un momento di decontrazione, un espirare che tradisce la paura. Si sentono poi suoni che richiamano degli spari, il gruppo, sempre unito, avanza verso l’angolo posteriore del palcoscenico, un faro si accende e, dopo un verticalissimo anelito di speranza verso la fonte della luce, i ballerini collassano l’uno addosso all’altro, come un gruppo di cadaveri. Ecco il vuoto, forse. Però no, la musica riparte ritmica, i corpi si alzano come marionette, non è possibile neanche morire con dignità. L’incedere diventa marziale, si trasforma in una marcia serrata con le facce ridicolmente tese verso il soffitto, una marcia il cui motore sta in quell’altrove che gli occhi fissano in alto, senza più vedere gli altri ballerini o la terra sulla quale camminano. Una meravigliosa metafora dell’alienazione della violenza. La musica sparisce, ma la marcia continua, con lo stesso tempo, come un programma inserito e inevitabile. Poi torna il ritmo, quel ritmo del procedere delle cose dal quale pare non esserci scampo nel pezzo di Doda.
Foto: Fernando Marcos
Il gruppo continua a comporsi e scomporsi, tutto oscilla tra l’organizzazione e il suo precipitare in uno spasmodico informe. La marcia diventa poi una corsa, una corsa in cerchio, dalla quale uno per uno i ballerini fuggono via, mentre i restanti sembrano non accorgersene. Ne restano soltanto due, continuano a correre con braccia di marcia e testa bassa. Una si ferma e pare rendersi conto di tutto, resta sola e pietrificata a fissare l’ultimo uomo che continua a correre, sola e pietrificata a fissare l’assurdità del trambusto umano. Lui continua a correrle intorno, lei a fissarlo immobile, e quell’angusto angolo di palcoscenico si trasforma nello spazio immenso dell’incomunicabilità umana.
Poi, il virtuoso assolo di un ballerino, che pare esplorare ogni forma di staccato e legato tra gli angoli del suo corpo, durante il quale il gruppo si muove sullo sfondo in un andirivieni incerto tra l’abbandono e il desiderio dell’individuo fuggito per la performance. E le corde pendenti dal soffitto vengono per la prima volta spostate. Percorse dalla luce e tirate verso destra non ricordano più i fili delle marionette, quanto delle funi di salvataggio lanciate dal cielo, funi di collegamento con una realtà superiore. Ed è verso l’alto che si tendono i corpi, distesi, ma con le braccia che ondeggiano come per cercare di acchiappare una di quelle funi, forse un ideale ancora in grado di essere salvifico. Ma anche la natura di questo anelito non può restare a lungo umana e, mentre i ballerini si alzano, si fa di nuovo meccanica, robotica, negando perfino la spontaneità del desiderio di miglioramento.
La luce scende lungo le corde tutte tese da una parte e ricorda i raggi di sole quando penetrano un anfratto, l’anfratto delle tensioni umane. Intanto, nella parte oscura del palco, finalmente un abbraccio, morbido, naturale. Poi l’oscurità. E un faro, da sinistra, orizzontale e alto. È dentro quella luce che il pubblico vedrà volare, rapidissimo, un uomo, retto sulle spalle di un altro, forse un’anima che è riuscita a salvarsi e librarsi in direzione di un altrove migliore.
Di nuovo buio, e corpi striscianti, la solitudine si ricompone nella sua forma perfetta per il finale. Cala dal soffitto il telaio del sipario senza più sipario, solo lo scheletro. La presenza, l’assenza e la messinscena sono ormai disarticolati, rotti nel loro significato, così come l’individuo. Ma il suo anelito non muore, e la creazione di Gentian Doda si chiude con la luce puntata sulle braccia di un ballerino, lanciate al cielo e subito dopo precipitate al suolo.
Un’opera coraggiosa e molto attuale, che tocca e fa riflettere mettendo lo spettatore di fronte alle grandi assurdità umane e politiche alle quali assistiamo ogni giorno, un’opera forte nel suo significato umano e sociologico.
«Sei solo, ma non puoi ignorare ciò che ti circonda».
Laura Venturi
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